单用墨作的国画，最讲究“墨分五色”，实际并不止于五个色阶。特别讲求一笔下去，就能表达由深到浅，或由浅到深的渐变关系，极为自然。一般的用墨方法有浓、淡、干、湿、破五种，说明如下：
浓墨：浓墨的标准是，研墨的时候，砚台里出现合不拢的路子，就达到浓的程度了。具体运用的时候，还有个妙处，就是一笔下去，表现得“死活”的问题，假如你把浓墨蘸在笔上，于砚池翻来覆去调得过火了，在笔上看起来是很均匀，可是画下去，待干了再看，就有死气了，如根据这一笔的需要，事先考虑到蘸墨多少，基本上不用把笔头在砚池或调色盘内调来调去，漫不经意的蘸一蘸，墨好象也漫不经意的画下去，就呈现活的味道，墨色既有神韵又有光华。其实，并非漫不经意，而是落笔之前，早就心中有数了。用浓墨的主要关键，在于防死，防死的主要办法，在于蘸墨就用，不可调弄过甚，特别是和写字一样，不能重复涂改，也不能先用铅笔起稿，必须做到成熟，而后才能落笔自如，用墨灵活。
淡墨：国画中用墨问题，浓较易，淡较难，淡到所谓“无墨求染”则更难。用墨之深与浅，轻与重，浓与淡，皆相对而言，也是对比作用。完全用浓墨则气霸，完全用淡墨则失神。一幅画中淡墨少了亦复无神。因此，若能于浓淡配合，浓中有淡，才能表现出一幅画的空间概念和虚实关系。处理得好则神气十足。至于浓和淡的面积比例，一般地浓部占三分之一左右，好象人的瞳孔一般，重墨只占小部分，才有神态，而淡墨淡到捉摸不透的程度，才有韵味。
我见过有的绘画理论作品上说：“西画重外光，中国画只重视固有色”。其实这问题，我的看法不尽然，我国广大群众，欣赏一幅国画，往往说：“画得真好，简直是离纸了”。这就是说有立体感，有空间概念，有明暗部。怎能说中国画不重视外光呢？譬如画一棵竹子，在用笔上先把笔洗净，再以笔的一面本着压下笔头的一半入墨，下笔时以另一面落纸，一笔画出来，线的两边深，中间浅，很显出竹干是立体的，这难道说没有外光吗？再如大写意，用浓淡不同的墨或色点出叶子来，不等干时勾叶筋，不能局限在点的范围，必须有的线勾到点外去。这样便很自然地显出高光部，这难道说没有外光吗？中国画这类的表现方法很多，不一一举例了。中国画用笔的“分水法”，其实就是表现外光